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    Non volevo copiare Fontana

    Ogni volta che scatto una fotografia del genere, mi sento in colpa. Come se avessi copiato durante un compito in classe. Ma non c’è niente da fare: la lezione di Franco Fontana è una di quelle che non dimentichi, che ti ritrovi sempre davanti quando affronti un paesaggio. E così, anche questa volta, guardando il mare dalla costa di Ortona, in Abruzzo, con a fianco il castello aragonese, nel momento in cui scatti ti senti (in piccolo, molto in piccolo) come Franco Fontana, E nella testa, ancor prima di fare clic, hai in mente questa immagine. Ho cercato, poi, di darle un taglio tutto verticale perché così mi piaceva.

    Il mare dalla costa di Ortona
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    Quel che resta nel buio

    Domenica in giro per i colli piacentini. Entriamo in una pieve, a Castell’Arquato, completamente al buio. In un angolo c’è un meccanismo nel quale, inserendo un euro, le luci si accendono per alcuni minuti così da poter visitare la chiesa. Ma la fessura nella quale mettere la moneta è bloccata. Insomma, siamo praticamente al buio. Stiamo per andarcene, quando noto una singola luce che colpisce l’unica sedia fuori posto, staccata dalle altre, forse reduce da una messa con distanziamento. E penso che quando si fotografa bisogna sfruttare quel che c’è, perché non siamo in uno studio, il mondo ci si offre per quel che esiste, non per quello che vorremmo che fosse. E scatto questa fotografia.

    Interno di una chiesetta, a Castell’Arquato
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    “B&W, back to the basic”

    Parigi

    Traduco al volo alcuni passi dell’articolo di presentazione dell’ultimo numero della rivista “Australian Photography“, una delle mie preferite, firmato dal direttore Mike O’Connor. Articolo che dedico a quelli che sostengono, sbagliando credo, che fotografare in bianco e nero sia una sorta di alternativa all’incapacità di farlo a colori. Insomma, che sia più semplice, che sia un ripiego. “Probabilmente – esordisce O’Connor – avrete sentito la vecchia espressione che dice ‘più le cose cambiano, più restano le stesse’ che può essere applicata a molti aspetti della vita, ma che è perfetta per la fotografia in bianco e nero. Anche con tutti i progressi nell’attrezzatura e nel software che utilizziamo per scattare foto oggi, rimane un fascino senza tempo nello stile in bianco e nero che lo rende altrettanto rilevante ora come lo era nei primi giorni della fotografia.

    La forza del bianco e nero sta nella sua capacità di costringere un fotografo a concentrarsi sugli elementi essenziali del mestiere – luce e ombra – e su come questi elementi apparentemente semplici devono lavorare insieme per creare armonia visiva all’interno di una cornice. È anche uno stile che premia l’osservazione. Pensate a un tramonto con tutti i suoi toni belli e sottili che si sviluppano di fronte a voi, quindi sottraete l’unico elemento che lo rende così accattivante: il suo colore. Allora, cosa resta? Cosa avete fotografato? Questa è la sfida del bianco e nero. Non solo richiede di scattare senza la “stampella” del colore su cui appoggiarvi, ma vi chiede anche di “distillare” la vostra immagine riducendola ai suoi elementi più primari mentre state decidendo di fotografare”.

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    Primo piano e sfondo

    Nel mio nuovo libro “Uno scatto e via” dedico un intero capitolo allo sfondo. Nella fotografia, spesso, ci concentriamo sul primo piano, ovvero sull’oggetto che ci interessa dimenticandoci, appunto, del resto. Nel fotogiornalismo “quotidiano” lo sfondo è fondamentale, in primo luogo perché spesso impatta con il bianco della pagina che circonda la fotografia. Un bianco puro, per esempio, appare come se facesse parte del bianco della pagina e non della fotografia. Ecco allora che una buona fotografia da pubblicare sul giornale deve essere costruita tenendo conto anche dello sfondo. In questo esempio è il crocifisso il soggetto che ci interessa, ma il quadro, sfocato perché non è il centro dell’interesse, svolge bene il ruolo di sfondo. Questo scatto è di qualche tempo fa, nel paese di Bobbio.

    Crocifisso, Bobbio (Pc)
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    “No, grazie, niente foto”

    Da un problema a un’opportunità. E’ successo nei giorni scorsi, quando ho acquistato, dopo averlo testato a Lodi, durante il Festival della Fotografia Etica (dove c’è sempre un punto Fujifilm per la prova del materiale), il medio tele fisso 90mm f2 appunto del marchio giapponese. Un’ottima lente, che però – corrispondendo a un 135mm come focale effettiva – rende un po’ difficoltoso lo scatto a distanze ravvicinate. L’ho testato in casa, peraltro con mia figlia Ilaria che non voleva farsi fotografare… Ecco, proprio lei che voltava la testa o si copriva il volto con le mani, la messa a fuoco al limite delle possibilità umane… tutto questo ha permesso un paio di ritratti non dico belli, viste le condizioni “operative”, ma alternativi, accettabili. Ne ho selezionato due, questi (autorizzato, obtorto collo, da Ilaria).

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    Quattro foto di Marsiglia

    Insomma, alla fine scatti un sacco di fotografie. Poi arrivi a casa, dopo i quattro giorni trascorsi a Marsiglia, e devi scegliere. E sì, facile far vedere poi le foto agli amici, ma trova quelle che davvero ti sono piaciute di più. Che poi magari agli altri non dicono niente: Marsiglia è tutta lì?, ti chiedono quando gliele mostri. Beh, io ho scelto queste quattro. E va bene così.

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    Catturato dai colori

    Magari si tratta di soluzioni stucchevoli. Posso concordare. Ma quando ti trovi in una zona architettonicamente interessante come quella adiacente al Velodrome di Marsiglia, non riesci a trattenerti. Impugni lo zoom lungo e cerchi di isolare linee, colori, particolari. Qui il sole batteva verso il tramonto, illuminando parzialmente l’edificio. Non ho saputo trattenermi…

    Marsiglia, nei pressi del Velodrome
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    Un tavolaccio

    Qui sotto non c’è una gran foto. Tutt’altro. Ma la pubblico perché il risultato dello scatto, quello che state vedendo, è esattamente (quasi esattamente) ciò che avevo in mente nel momento in cui ho premuto il pulsante sulla fotocamera. Immaginavo che la prospettiva, dal basso, parallela al tavolaccio potesse dare forza all’immagine, che gli oggetti lasciati lì disordinatamente servissero a creare profondità, che l’obiettivo con il diaframma aperto al massimo creasse lo sfocato necessario e infine che Paola, sempre sfocata, servisse a dare vita alla fotografia in modo che non si trasformasse in una sorta di still life all’aperto. E infine, i colori che avevo di fronte li immaginavo già trasformati e resi più caldi in fase di post produzione. Ecco, come detto, non è una gran foto, ma è quella che immaginavo. Ed è un esercizio utilissimo. Anche perché, poi rivedendola, mi sono reso conto che tagliare l’angolo del tavolo è stata una sciocchezza. E dagli errori si impara. Eccome.

    In Toscana
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    Il sole, un muro, le ombre

    A volte basta poco per scattare una foto che abbia almeno un po’ di senso. A volte, come in questo caso, è sufficiente un po’ di sole al tramonto, un muro, le ombre che lo ridisegnano, i colori forti, pastello. Non so perché, questa fotografia mi è sempre piaciuta ma non riesco più a ricordare dove diavolo l’avevo scattata…

    Sole, muro e ombre
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    Passato e presente

    La serafica immobilità della candida statua da una parte e, dall’altra, la donna sulle scale mentre chiacchiera, cellulare in mano, ad alta voce nel silenzio (fino a quel momento) del centro storico di Sassetta. Dopo il diavolo triste, nella fotografia precedente, ho voluto raccontare in un’immagine il contrasto tra passato e presente, tra tranquillità e confusione.

    Arte per strada a Sassetta, in Toscana